林天行《狮山彩虹》 2024
作为香港美协主席、中国美术家协会香港会员分会主席，林天行以超过四十年的艺术实践，在现代中国水墨领域开辟出独树一帜的路径。他的绘画游走于传统与现代、东方与西方的边界，既承继中国绘画的精神内核，又突破技法与审美的固有框架，最终形成兼具“中国性”与“现代性”的艺术风格。从香港的都市景象到西藏的雪域神山，从荷莲的圣洁绽放至菖蒲的坚韧生长，他的每一幅作品都承载着对时代的观察、对自然的敬畏，以及对生命的深情。
艺术理念：打破边界，融合古今中西
林天行的艺术理念，始于对“古今中西四维挑战”的深刻回应。自清末以来，中国画家始终面临如何平衡传统与现代、东方与西方的难题，而林天行给出的答案是“打破界限，自由融合”。林天行明确赞同徐悲鸿“中西合璧”的主张，反对将“中国画”与“西洋画”割裂对立，他曾直言：“没有必要去划清‘中国画’和‘西洋画’的界限，也没有必要抱着中国画的态度来画中国画，井水不犯河水的结果只能是永远也领会不到两水相溶的美妙。”这种开放的态度，并非对传统的否定，而是对“活的传统”的继承——他反叛的是明清以来格式化、缺乏生命力的文人画套路，却对北宋郭熙、巨然的山水精神，明代徐渭、八大的艺术人格由衷钦仰，更推崇石涛“笔墨当随时代”的理念。
邵大箴在《表达真情与爱》中指出，林天行的艺术“一直显示出独特的个性面貌：反叛传统的样式和承继传统的精神”。他少年时先后学习中西绘画，1989年赴中央美术学院进修后，既夯实了传统笔墨的功底，又未被传统束缚。在他看来，艺术的价值在于“回应时代”，而非固守陈规。面对香港这座现代都市的“满眼直线”，他意识到传统山水技法已无法表现工业文明的质感，于是主动借鉴西方艺术的块面造型、抽象表达与色彩逻辑，将其与中国水墨的“意象”精神结合。正如林天行在他的《绘画笔记》中所说：“现代艺术观念的转变是不受传统审美定义的制约，站在更高的地方去看过去和未来，不分中西、不分时空，全捏在一起，靠自我的想像和直觉的力量，创作自发原创的艺术。”
这种理念在他的创作中落地为具体的实践：他从西方点彩技法中获得灵感，将物象拆解为色彩的点与块；从抽象艺术中汲取自由，却始终保留中国画的“气韵”；即便运用浓烈的西画色彩，画面深处仍透着敦煌壁画的光影神性与水墨的呼吸感。他的融合，不是技法的简单叠加，而是“外师造化，中得心源”的现代演绎——以自然为师，以心灵为源，让中西艺术元素在情感与精神的统一下共生。
技术语言：色彩、构图与笔墨的创新表达
林天行的绘画之所以极具辨识度，源于他在色彩、构图、笔墨三大技术维度的突破性探索，这些探索既服务于他的艺术理念，也让现代水墨的视觉可能性得到拓展。
（一）色彩：墨色与重彩的平等对话
传统文人画以“墨分五色”为核心，色彩多为点缀，而林天行彻底打破这一认知，让色彩与墨拥有同等的叙事地位，甚至在部分作品中，色彩成为情感表达的主角。金耀基提到，林天行的画“以彩色之美名世”，其色彩魅力“几乎使人无法抗拒”。他对色彩的运用兼具“浓烈”与“通透”的特质：画西藏时，用冰蓝与火红对比，表现雪山与阳光的碰撞，如《阿里行》中“冰火相接的色块”，既显雪域的神秘，又藏宗教的庄严；画荷花时，大量使用金色——“金色是所有颜色中唯一永远不会变色的，也代表永恒”，《金荷》《祥光》等作品中，金色荷瓣在水墨晕染下，既有圣洁的仪式感，又不失灵动；而在黑暴与疫情时期的菖蒲系列中，他转向黑白灰的沉郁色调，仅以少量留白点睛，如《幽思》中“淡墨分割的画面”，中间的空白似一扇通往光明的门，传递对生命的期许。林天行的色彩实践还包含“双积法”的创新——既积墨又积色，让墨与色在层层叠加中形成丰富的层次。邵大箴评价这种技法“既空灵又浑厚”，如《荷塘烟雨》中，“墨分五色”的传统被拓展为“彩分多阶”，水墨的浓淡与色彩的冷暖交织，似烟雨朦胧中的荷塘，既有写实的质感，又有写意的意境。他曾幽默地说自己是“好色之人”，这份对色彩的热爱，实则是对生活与时代的敏感——香港的霓虹、西藏的霞光、荷花的绚烂，都是他用色彩捕捉的时代切片。
（二）构图：打破透视，重构空间逻辑
传统山水画以“三远法”构建三维空间，而林天行则转向“平面化”“饱满化”的构图，以鸟瞰视角重构世界，让画面充满现代都市的几何美感与节奏张力。在《景象香港》系列中，这种构图尤为明显：《新界晴雨》采用放射式构成，从高空俯瞰香港的山与海，泼墨的色块如云层翻滚，街灯的线条如琴弦纵横，鱼群似在空中跳跃，房屋似在倾听海浪，所有元素在平面上共生，却因色彩的层次生出空间纵深感；《码头》描绘繁忙的香港码头，“灯火辉煌，水天一色，富强烈节奏的线条穿插其间”，传统留白被填满，取而代之的是都市的拥挤与活力，恰如香港“寸土寸金”的城市特质。何佳霖在《一半天宫》中评价林天行的构图“线与线的关系，物体与物体的互相制约，和谐且富有个性”。他的画面极少留白，却不显杂乱，秘诀在于“取舍与重组”——他会解构传统山水的形态，提取自然与都市中的核心元素，再以抽象的逻辑重新排列。如《狮山云涌》中，云被披上金色，与狮子山融成一片，“稠密与稀疏相间有序”，每一朵云都是“一次回眸与驻足”，既象征香港的凝聚力，又暗含“狮子山精神”的坚韧。这种构图，既是对现代都市“纵横交错”视觉体验的回应，也是对中国传统“散点透视”的创新——不局限于单一视角，而是将不同时间、空间的景象压缩于一画，形成超现实的“意象空间”。
（三）笔墨：传统筋骨与现代自由的共生
林天行的笔墨，是对传统的“创造性转化”。他并未抛弃中国画的笔墨根基，反而在传统技法中注入现代活力。金耀基指出，天行的线条“浓淡、粗细、长短，或弯或直，或显或隐，助长了画的气韵与灵动”，这正是他对书法用笔的继承——画荷茎时，线条纵横穿插，似狂草的笔势，“像交响乐中各种乐器的和鸣”；画菖蒲时，线条刚劲如剑，似篆书的筋骨，传递“斩妖除魔”的力量；即便画香港的高楼，直线的运用中仍藏着书法的提按顿挫，避免了西画线条的僵硬。
同时，他突破传统笔墨的“程式化”，将“块面思维”融入其中。他曾说：“我喜欢把大自然中的物象都看成各不同形状的平面，用块面思维方式观察事物更加简练，更加整体，去掉一切繁缛的细节，凸现明确而有力的绘画语言。”这种思维让他的笔墨超越“线的叙事”，进入“面的表达”——《洁净的地方》以大块面的水墨与色彩表现西藏神山，笔墨的晕染与色块的叠加，似神山在光影中的变幻，既有传统山水的雄浑，又有现代抽象的张力；《流光》中，菖蒲的笔墨“寥寥几笔就看到它背后辽阔的山川与人文”，笔墨的简与意境的丰形成鲜明对比，尽显中国绘画以少胜多的精髓。
主题系列：以题材为载体，传递情感与思考
林天行的创作主题始终与他的生命体验、时代感知紧密相连，从《景象香港》到《西藏》，从《天行之荷》到《菖蒲集》，每个系列都是他艺术语言的延伸，更是他对世界、对自我的深度对话。
（一）《景象香港》：现代都市的水墨定格
1984年移居香港后，这座第二故乡的都市景观成为林天行艺术革新的起点。面对维多利亚港两岸的高楼森林，他意识到传统的山水画法已无可措手，于是开始探索表现现代都市的新语言。《景象香港》系列（1997-1999）中，他既画香港的繁华，也画新界的野趣——《黄耀的海港》《码头》等作品以浓烈色彩、几何线条表现都市的繁忙与活力，画面“更像是西方现代抽象画，几乎看不到中国水墨画的踪迹”；而《家在五彩秋风里》《开满葵花的家园》等作品，则以写意笔墨与彩色渲染，展现新界乡村的宁静，现代性中总带有挥之不去的传统情调。
林天行画香港，并非单纯的景观再现，而是对都市生活的情感投射。他眼中的香港，是现代与传统的混合：公园的长椅、月色下的屋村、风雨中的巴士、霓虹闪烁的海港，这些日常景物在他的笔下，都变成造型崎岖、浪漫、彩色斑斓绚丽，实境与虚境相互渗透的视觉美学。他试图用水墨诗化铺天盖地的机械文明，让冰冷的都市充满人文温度。这些作品“以独特的视觉方式，融合中西、游走于具象与抽象之间，将精神的真实与感觉的形象化呈现出来”，成为香港都市文化的重要视觉记忆。
（二）《西藏》系列：自然与神性的精神升华
1999年的西藏之行，是林天行艺术生涯的重要转折。他三次赴藏，甚至冒着生命危险登上5000米以上的阿里高原，“西藏是让你不要命的地方”，这份执着源于他对天地精神的向往。金耀基提到，林天行曾说“在中国画美术史上没有人画西藏山水的”，这种无可借鉴的处境，反而让他彻底挣脱传统束缚，创造出全新的山水语言。
《西藏》系列中，他以“外师造化，中得心源”为准则，直接师法自然，又经心灵重构。2007年展出的百幅《天行西藏》作品中，《阿里行》以冰火相接的色块表现雪山与阳光，看不到传统青绿山水的影迹，却藏着敦煌壁画的光影神性；他在阿里托林寺门前画就的2000厘米土林写生长卷，三小时画就，六七分写实，三四分抽象，后来还将三百年前的古格王朝纳入画面，是超越时空的取舍。这些作品的核心，是对神圣性之美的表达——《洁净的地方》《神圣的家园》等作品，以纯净的色彩、宏大的构图，将观者带入“璀璨圣洁、佛光闪耀的天国境界”，既是对西藏自然与宗教的致敬，也是对现代人心灵缺失的弥补。
（三）《天行之荷》与《菖蒲集》：生命与时代的隐喻
荷花是林天行艺术生涯中最持久的主题，这份执着源于他的童年记忆——故乡福建的莲花峰，祖母口中荷的佛性联想，让荷成为他精神的象征。2003年，他“找到了属于自己之荷”，随后发表《写给荷花》，举办《天行之荷》展览，开启香港艺坛的画荷传奇。他的荷，不是传统文人画中“避世寂静”的君子，而是人生的百态：《祥光》《净植》中，荷花以浓烈色彩绽放，象征生命的绚烂；《荷塘烟雨》中，枯荷在水墨中挺立，体现生命的坚韧；2010年香港大会堂展览中，他将画好的荷花撕成碎片重组，碎片像飘落绿水的荷瓣，艳丽的色彩预示着生命的轮回，中间再画新荷，象征生命循环中的新可能。
而菖蒲系列，则是林天行对时代困境的回应。2019年香港黑暴期间，他「心情沉重，一改以往以荷为主题的风格」，选择菖蒲——「菖蒲在中国人的传统观念中，有斩妖除魔迎吉象的深意，而且菖蒲有旺盛的生命力」；2020年疫情暴发后，他继续画菖蒲，《幽思》等作品以黑白灰为主调，「整体沉重，与去年以重彩为主的作品完全不同」，画面中间的留白「打开的是阳光那面」，传递战胜疫情的希望。他本想画100幅菖蒲，却在第100幅时停笔，「一种深沉的窒息感袭来」，最终展出99幅，这份遗憾，藏着他对香港的深情与牵挂。
人文关怀与时代价值：艺术作为心灵的桥梁
林天行的艺术，始终扎根于人文关怀与时代精神，他的画笔不仅是技术的展示，更是情感的传递、思想的表达。邵大箴评价他的作品「强化了文化含量」，范迪安说，林天行「在意酣畅的墨中，歌时代、自然，抒发情感、心智，为推动当代中国画的变革发展作出了可贵贡献」。
他的人文关怀，体现在对生命的敬畏——荷花的轮回、菖蒲的坚韧、西藏的神圣，都是他对「生命力量」的赞美；体现在对土地的热爱——他画香港三十年，「从来没有想过离开香港」，认为「香港是世界上华人生活幸福感最强的地方」，计划举办香港写生展，「向更多人介绍这颗依然璀璨的东方明珠」；更体现在对社会的担当——黑暴时以菖蒲「为香港斩妖除魔」，疫情时以作品「为港人传递希望」，他说「创作的前提是心中要有情，没有情，无论多好的技巧，都很难打动人」。
从时代价值来看，林天行的艺术是现代中国水墨「破局」的典范。在「古今中西」的张力中，他既未陷入「全盘西化」的误区，也未落入「固守传统」的窠臼，而是以「开放的心态」「创新的勇气」，为水墨艺术注入现代活力。行政长官李家超在「天行艺道－水墨45年」展览开幕典礼致辞中评价他的作品「糅合古今中外，开拓了独具创意的“彩墨”风格，栩栩如生地呈现中华文化瑰宝和香港文化景观」，恰如其分地指出了他的艺术在文化传承与城市认同中的双重意义。
除了水墨画创作外，林天行近年亦潜心于书法创作，将汉字结构、线条重新组合，创作出「汉字系列」，色墨渲染累叠，书法笔触若隐约现，营造抽象化的画面效果。
如今，62岁的林天行仍在艺术之路上前行，他的作品不仅是视觉的盛宴，更是心灵的对话——对话传统，对话时代，对话每一个热爱生活、向往美好的人。他用彩墨证明，现代中国水墨不必固守过去，更能在融合中绽放新的光芒；香港艺术不必局限地域，更能在中西交汇中成为中外文化交流的桥梁。这，正是林天行艺术的价值所在。
艺术家简介
林天行，当代水墨画家，1963年生于福州，1984年移居香港，1989年就读中央美术学院中国画系。现为中国美术家协会香港会员分会主席、香港美协主席、香港文联常务副会长、中国文联全委会委员、中国美术家协会理事、中国画学会创会理事、清华大学海外评审专家、华南师范大学客座教授。曾任第13届全国美展评委、中国国家艺术基金评委。在世界各地举办个人画展无数，出版画集及着作逾四十本，其作品获海内外博物馆、美术馆、政府及公共机构、企业及私人收藏。
