隋代以前，《楚辞·天问篇》云“图天地山川”，说明山水画在此之前即已出现，但看汉魏壁画，山水画还只是人物画的背景；至南北朝宗炳撰《画山水序》，王微撰《叙画》，山水画的画理画法开始阐微发奥。
隋朝展子虔《游春图》的出现，形成了独立的山水画一脉，山水画创作便成为传统画家心性抒发的一个天然渠道。
该画作展现了水天相接的情形，青山叠嶂，湖水盈盈，士人驻足，仕女泛舟，微波粼粼，桃杏初绽。作品用青绿着山水，并用泥金和赭石渲染，开唐代金碧山水之先河。
（一）诗画融合，诗性萌动
山水画在中国绘画史上，有着极其重要的地位，并在唐代开始繁荣。
李思训和李昭道父子、王维、吴道子等是唐代杰出的山水画家。
其中，盛唐时代的王维（字摩诘），能诗善画，通过创作，把诗和画融化一体，形成璀璨夺目、影响深远的风格流派。
我们得感谢王维的出现。他开启了文人画传统之先河。他的画体现了文人士大夫向往超然、闲适的情怀，追求更多观照内心与禅宗精神相契合的“自然”境界。其文人画鼻祖的定位，是始于宋代文坛领袖苏轼等人的极力推崇，并随着文人画大兴而得以确立。
苏轼评之曰：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”诗画有机的结合，是中国画的传统和特点，《宣和画谱》中提到他的诗句：“落花寂寂啼山鸟，杨柳青青渡水人”，“白云回望合，青霭入看无”，说是“皆所画也”。
（二）传统以降，蔚然成河
唐以后，五代的山水画家荆浩，关仝，董源，进一步推动了山水画的发展。
其中，做为北方山水画鼻祖的荆浩，师从张璪、王维和吴道子等唐代山水画家，吸取北方山水雄峻气格，作画“有笔有墨，水晕墨章”，成为北方山水画派之祖。
荆浩的山水画表现雄伟壮阔的大山大水及全景式布局。由于太行山气势磅礴，使他的审美眼光发生重要变化，认识到“山水之象，气势相生”。由于他放眼于广阔空间的雄伟气势，终于创立了“开图千里”的新格局。
擅长山水画的荆浩，也长于诗。
当时邺都青莲寺住持曾乞画于荆浩，寄诗以达其意。荆浩认真创作一幅作品赠予住持，并写了一首答诗：
恣意纵横扫，峰峦次第成。
笔尖寒树瘦，墨淡野云轻。
岩石喷泉窄，山根到水平。
禅房时一展，兼称苦空情。
荆浩显然继承了唐代诗歌的格律范式，平仄韵脚到位，颔联颈联对偶规范，用字用词奇巧独异，情感直抒胸臆。能够看出他对自己这幅水墨淋漓的作品相当满意，同时也反映出他退隐后的心境——“苦空情”。
北宋米芾与米友仁父子二人，在绘画上突破前人画格而另辟蹊径，米氏云山，自成一派。二米长居江南，对江南的云山烟雨，饱游饫看，目染至深，创作出《潇湘奇观图》这样的代表作。
同时，米芾也是一位诗词造诣极高的人。其作《望海楼》云：
云间铁瓮近青天，缥缈飞楼百尺连。
三峡江声流笔底，六朝帆影落樽前。
几番画角催红日，无事沧州起白烟。
忽忆赏心何处是？春风秋月两茫然。
米芾一生钟情于山川胜景，对自然景观喜爱有加，被镇江的美景所吸引。
镇江旧称“铁瓮城”，望海楼曾是镇江城中的著名建筑。
米芾的这首七言律诗《望海楼》，充分展现了他对镇江山水的热爱以及其独特的诗歌创作风格。诗的开篇“云间铁瓮近青天，缥缈飞楼百尺连”，其运用夸张的手法，先从望海楼所依傍的铁瓮城写起，形容其坚固高大，似与青天相接，接着描绘望海楼本身，“缥缈飞楼百尺连”，让楼阁仿佛凌空而立，与天相连，营造出一种如梦似幻的仙境氛围，既突出了望海楼的地理位置与建筑特色，又为全诗奠定了雄浑宏大的气势。
此件诗作，可谓“诗里有画”、意涵深邃，展现了诗人豁达情怀的上乘文人佳作。
南宋四大家之一的李唐，创作出的作品《万壑松风图》与郭熙的《早春图》、范宽的《溪山行旅图》，合称为“宋画之三大精品”。
李唐有一首《题画》诗：
云里烟村雨里滩，看之容易作之难。
早知不入时人眼，多买燕脂画牡丹。
诗作首句“云里烟村雨里滩”，就把一幅画的意境描绘出来。上方是云烟缭绕的山村，下方是雨水滂沱的河滩，一静一动，相互映衬。这幅画是经过艰辛的精神和体力劳动才创造出来的。因此下句说：“看之容易作之难。”俗话说的好：“看人挑担不吃力，事非经过不知难。”这是常人都懂的生活哲理。但常人往往醉心声色犬马，贪图富贵荣华，缺少真正的审美能力。对这种意境高妙的画看不上眼。诗人写道：“早知不入时人眼，多买燕脂画牡丹。”意思是说如果画牡丹花，施以浓色重彩，定会大受时人欢迎。这自然是反话，这是饱含着辛酸泪水的幽默，又宣泄出愤世的情绪。亦庄，亦谐，痛快，淋漓。这种风格，为后世许多题画诗所效法。
元代的山水画创作，又有较大的提高。画家们更倾向于“卧青山，望白云”，画出千岩“太古静”。
开创元代新画风的赵孟頫，书、画成就极高，“久知图画非儿戏，到处云山是吾师”这是他在自己作品《苍林叠岫图》上的题诗。这其实是赵孟頫的一个美学观点。
《题〈苍林叠岫图〉》：
桑苎未成鸿渐隐，丹青聊作虎头痴。
久知图画非儿戏，到处云山是我师。
赵孟頫认为画家应外师造化，随时随处以自然山水为师，不断提升对自然的领悟能力和表现水平，才能取得理想的绘画成就，反映了其重视向自然美学习的美学观点。
元四家之冠的黄公望，久居江南，他的山水画素材多来自江南的山林胜处。“当其居富春江时，凡领略江山钓滩之胜，没有不带纸笔而作速写模记的。”
黄公望的绘画作品有闻名于世的《富春山居图》，也有《快雪时晴图》、《秋山幽寂图》等，艺术水准皆为高超。
当我们感叹《富春山居图》的“平凡，安静”而孕育着不平凡的伟大时，是否知道背后隐藏着丰富的诗作：
《题画》
茂林石磴小亭边，遥望云山隔淡烟。
却忆旧游何处是？翠蛟亭下看流泉。
《次所和竹所诗奉柬》
片玉山前人最良，文章体物写谋长。
古来望族推吴郡，直到云仍姓字香。
诗心浓郁的人，诗情遮不住。
黄公望是一位亦画亦诗、亦诗亦画的文人画大家。
他在给自己的作品书写题画诗的同时，也很喜欢赋咏前朝代表性画家的作品。
是黄公望的绘画才情，滋生了他的诗性，还是他浓郁的诗性，滋养了他的绘画天赋、赋予画面空灵疏远、淡泊清润？
有一点是肯定的，正因为他浓郁的诗性，造就了他绘画作品的诗意。
明代山水画较为发达，但趋向摹古，有创造性的不多。出现各种画派，以“浙派”、“吴门派”最具有影响力。“吴门派”的沈周、文徵明、唐寅、仇英是其中代表性的画家，被称为"明四家"。他们的共同特点是文化渊博，学养深厚，注重“诗书画”一体。
其中的沈周，诗词作品数量众多，风格多样。
他的咏物诗以细腻的笔触描绘自然景物，表达了对生活的热爱，对人生哲理的深刻思考和感悟。
《栀子花诗》
雪魄冰花凉气清，曲阑深处艳精神。
一钩新月风牵影，暗送娇香入画庭。
他的山水田园诗描绘了江南水乡的宁静与美丽，展现了其隐逸生活的闲适与超脱。
《溪亭小景》
幽亭临水称冥栖，蓼渚沙坪只尺迷。
山雨乍来茅溜细，溪云欲堕竹梢低。
他的诗词作品，展现了深厚的文学造诣和独特的艺术视角，与绘画相得益彰，共同构成了其艺术成就的重要组成部分。
沈周在其代表作《清江幽居图》题诗：
江上千峰紫翠浮，参天松色映清流。
茅堂雨绝湘帘暝，卧听空山一夜秋。
诗画融合，相得益彰。
明末清初的石涛，是画家、艺术理论家，中国绘画史上的一代宗师。早期作品师法宋元，画风疏秀明洁，中年画风转向奔放恣肆，开创“黄山派”。晚年创作更为自由，提出“笔墨当随时代”、“无法而法”等理论，形成苍郁恣肆的独特风格。
石涛著有《苦瓜和尚画语录》，提出“一画论”、“搜尽奇峰打草稿”等经典理论，强调师法自然与主观创造。
下面几首石涛的诗作，读来有滋有味，情真意切：
《荷花》
荷叶五寸荷花娇，贴波不碍画船摇。
相到薰风四五月，也能遮却美人腰。
《梨花图》
人说梨花白雪香，我爱梨花似月光。
明月梨花浑似水，不知何处是他乡。
石涛把梨花比作月光，真的是别出心裁、匠心独运。他乡游子，面对一树洁白如雪的梨花，仿佛故乡的月亮冉冉升起，月华如水，如梦似幻。
近代的黄宾虹是“孤笔概画史”的大家，在绘画理论和山水画、花鸟画、书法创作等方面独树一帜，同样，他的诗学也非常深厚，以诗舒心意，以诗描画境，以诗阐画理，以诗整画貌，臻至又一个文人画的高峰。
作为山水画一代宗师，黄宾虹在诗学上的成就，不亚于其山水画。
他在画上所相配的诗，清隽疏朗、选词妍雅，为世人推崇。
黄宾虹在山水作品《匡庐五老峰》有题画诗：
遥望庐山五老峰，九江秀色绕云松。
微茫欲识图中意，叠巘层峦翠万重。
一首高妙的七绝诗作，恰到好处地拓展了画面的意境，诗作与画境相互生发，让人有了无限的想象空间，让作品有着沉甸甸的份量。
尾句的“叠巘”二字，或许引用于南宋柳永的《望海潮》里面的用词。
黄宾虹曾说：“画为无声之诗，诗即有声之画。语所难显，则以画形之；图有见穷，则以诗足之。”
黄宾虹先生940余首的诗作，可谓洋洋大观。
黄宾虹先生的诗歌，更有其独立存在的文学价值，它展示了广阔的精神世界。
他的许多画作，离不开题画、论画。
在题画诗中，他或记载作画游踪，或描写景物，或论述画论见解。
刘海粟曾在1983年为黄宾虹诗集撰序，其中谈到宾老的题画、论画：
“将它当画论来读，那发人深思的创见和经验，俯拾即是；若作史料来看，则是他行踪与艺术思想最形象化的实录；如以艺术品来欣赏，则使人大有将壮丽之山联成宽银幕影片，状难画之景而富有弦外妙音，抒难言之情而耐人咀嚼，味若橄榄。”
黄宾虹的题画诗，即他行踪与艺术思想最形象化的实录，越读越享受其中的美，可与画并传不朽。
（三）何谓诗性，绘画中的诗意与诗性
诗性，指的是一种超越日常逻辑与实用性的特质，是语言、情感和意象在特定形式下达到的审美境界。
诗意，一首诗的意境，赋予画面上，指作品有诗歌一般的境界。
而诗性，性格也，率性也，指画家赋予画面诗一般的语言、性情和感受；也指画家具备的高度的、浓缩的诗意情怀和文学素养，以及直舒胸意的豁达。
一首上佳的诗作，以和谐的书法笔触题写于画面上，并且与画面意境互为生发、共融共生，是一件作品充满诗性的重要表现。
一首高妙的题画诗，是一种对画面构成的补充，是作品文化气息的露溢，是画家思想和心曲的流淌。
绘画作品中的“诗性”是一个融合艺术与哲学的概念，它超越了单纯的视觉再现，试图通过画面传递诗一般的意境、情感或哲思。
这种诗性并非对诗歌的直接模仿，也并非单纯地在画面上书写题画诗。
而是通过绘画语言的隐喻性、韵律感、留白与想象空间，让观者感受到类似诗歌的审美体验。
绘画的诗性，我们也可以衍生出“诗性笔墨”，或“笔墨如诗”，这种情况，出现于对传统画理、画法潜心研究、从而能够表现出独具个性的绘画语言、甚至妙手偶得的画作中。
诗心滋养笔墨。
诗性蕴涵图章。
具备浓郁诗心和诗性的画家，其作品必然灵秀生动，文采奕奕，灼灼而光华。
山水画家的诗性，不仅体现在自己创作时的笔墨运用，诗情意味，诗词吟咏，同时在面对自然境域、生活日常、它人佳构时，也容易诗心萌动，赋咏诗作。
五代时期的荆浩乐作秋冬之景，历代著录中有其《秋山瑞霭图》、《楚山秋晚图》等作品。而元代的黄公望对其作品称赞有加，描述《楚山秋晚图》“骨体敻绝，思致高深”，并赋诗一首：
天高气肃万峰青，荏苒云烟满户庭。
径僻忽惊黄叶下，树荒犹听午鸡鸣。
山翁有约谈真诀，野客无心任醉醒。
最是一窗秋色好，当年洪谷旧知名。
从诗中我们可以想见画面天高气爽，峰青树荒，云烟满户，有山翁相语，野客漫饮，午鸡啼鸣，一切围绕着渲染一个“秋”字。这是一个秋色寥廓而又富于生活气息的境界。由此可见，荆浩的大山大水之境，充满丰富的细节，既有强烈的震撼力，又耐人细细品味。
这样的情况，可以说比比皆是。
元代才子吴镇，专门给北宋大画家范宽的作品《江山秋霁图》赋诗一首：
《范宽江山秋霁》
沧江遥带碧云流，紫翠凝峦万叠秋。
阁倚蛟宫飞雨湿，人依鸟道动离愁。
帆归极浦苍山合，木落千林暮霭浮。
岂是笔端分造化，无穷岩壑一缣收。
全诗以范宽的画作为蓝本，用诗意的语言再现了画中的壮美景色。首句“沧江遥带碧云流”，勾勒出江水与碧云相映成趣的宏大场景；而“紫翠凝峦万叠秋”则进一步点染了秋日的山峦，紫翠交织，美不胜收。这两句诗不仅展现了画作的精湛技艺，更将美景与诗意巧妙融合，让人在欣赏画作的同时，也能领略到诗歌的韵味。此诗表达了吴镇对范宽画作的深刻理解和高度赞赏，同时也展现了他作为诗人和画家的独特审美情趣。整首诗语言简练而意境深远，为我们提供了一个欣赏和理解范宽画作的新视角。
近年，笔者结识较多的山水画家，多数都没有诗词创作经历，有的甚至“谈诗色变”、“闻诗色变”。
笔者2024年秋季在中国美院高研中心进修山水画，并有机会请教于几位博导、教授，谈及诗词话题，一位教授作了客观分析：
过去画家很少，写诗是必修课，现在大家都不写了。
中国美院中国画学院博导韩璐教授，平素喜欢诗词创作，在花鸟画领域建树颇高，主张“诗书画印原一律，花鸟溪山不两家”的他，近年的笔锋已经触及山野林泉。在谈到山水画家的诗词创作话题时，他认为写诗的不多，大多也只是用前人的诗题跋。他进一步阐述：
“题画诗称画媵，画面跋诗不仅需要书法功底、画面经营把控能力，还要有古诗词的创作能力和文学修养。画有画眼，诗有诗睛，诗画要相得益彰才好，等等这些，不是一般的文人画家能做到的，所以大师难出。诗学和画学是两大学问，各有路径，可互补，但又不能只顾一头。画不是诗的插图，诗不是画的解说，相互延展其意才对。难的。”
30年前在首届全国山水画展上，以《秋气嶙峋》获得金奖的何加林先生，成名于中国美术学院。何加林的笔墨运用，意境营造，颇有诗味，同时，偶有律诗创作，间或谈及“诗性”话题。在杭州的展事活动上，笔者两次遇到何加林先生，总觉得行色匆匆。
浙江大学已经89岁高龄的杜高杰老师，数十载笔耕不辍，绘画作品已至返璞归真，在创作花鸟画和山水画的同时，喜好赋诗吟咏，激荡胸怀，隐隐约约地保持着传统文人的风骨。
老先生应邀前往浙江桐庐参加活动，赋有七绝一首：
《参访桐庐环溪口占》
铁幹铜枝护古村，百年银杏正青春。
莲风劲拂除污垢，一片清光不染尘。
漫步西湖时，创作七律一首：
《漫步苏堤有感》
漫步苏堤柳色间，六桥掩映绕轻岚。
清波荡漾红英暖，秀岭朦胧翠幕寒。
曾拂青萝迎旭日，偶披彩叶绘霜天。
东坡勤政留佳胜，西子喻称更无前。
当下，山水画家写诗者，基本在10%左右，而能够以自己的上乘诗作，与画面相辅相成者，应不足3%。
据此，画坛以诗唱和、以诗抒发感喟、以诗相赠的雅事，几乎销声匿迹。
（四）画分三品：诗品，能品，匠品
所谓诗品
以诗入画，笔墨如诗，意境如诗。
笔墨运用、画面构成，有天然的诗意韵味，舒朗清润，浑厚华滋，再赋予自己的上乘诗作，诗画融合，相得益彰，互为补充，和谐相生；继承了传统文人脉络，而又有独立的绘画语言，以上佳的书法题跋、落款，呈现一件完整的美学佳构，这样的作品，称为“诗品”。
所谓能品
如果从技法纯熟，能写会画的角度看，当下具备这样水平的山水画家还是比较多的，有的名满天下，追随者众。画面不缺笔墨，不失风格，就是缺少诗词涵养；不愿读诗，不敢作诗，画面更没有自己的诗作题写，以引领画面的诗意化境，这样的作品，称为“能品”。
所谓匠品
临摹基础不错，在继承传统脉络的基础上，用所谓的“变体临摹”手法，吸取多家作品的元素，组合出一幅作品，画面效果自然也不错。总是重复着自己，画路窄，难以触类旁通，借助范本，依然停留在范本。阅读量少，缺少画理思考。
还有的是，在一些大型展事上展出，甚至获奖的一些作品，其画面构成和意味，更接近于水彩、油画理念的风景画。缺乏传统山水画的散点构成和“三远”透视法，等等，这些作品当属于“匠品”。
这三者之间，互为游走。
“能品”者，如果静下心来，多看一些不同门类的书籍，文学、历史、哲学、考古、生态等等，多读一读浩繁厚重、灿若星河的唐诗宋词，涵养胸怀，润泽心田，在画面上敢于否定和开拓，或许可以跃升到“诗品”层面。
相反，“能品”者，滞留在自己的画路，吃老本，不愿阅读，不敢改变，过多地重复自己，作品会从“能品”，落格为“匠品”。
“匠品”者，让个人的修炼，从技法层面，上升到感性和诗性层面，多读书，多梳画史，多悟画理，饱游饫看山河星月、大川溪流，体味苍凉和润泽，画出自己的真感受、真性情，或许可以从“匠品”层面，蜕变到“能品”境界。
诗书画印，诗为首。
我们不能熟视无睹，忘记这个普通的道理。
“山水画本来就是由想象建构、诗意整合的”，一个对诗天然排斥、谈诗色变的人，其作品的境界高下，已经无需评判了。
不具备基本的诗词创作能力，很难拥有豁达的诗性情怀，终究与前辈大家的心境和山水精神隔了一层。
胸中无诗性，笔下便多了俗气和江湖之气。
腹有诗书气自华，以诗性的情怀和眼界，才可以真正抵达山水幽境，聆听天地秘语、壑谷清音，体味丛林甘露、旷野澄澈。
（作者：刘延玖，笔名水墨一草，美术教育工作者，西溪学人）
